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Comunicato stampa MOSTRE: BOLOGNA OSPITA LA PERSONALE DI VELENA NIKOVA LA RASSEGNA SI INSERISCE TRA I PROGETTI SPECIALI DI ARTE FIERA "A=A Sic et non Aliter " Installazione di Velena Veretel Nikova A cura di Alinda Sbragia Inaugurazione - giovedì 27 gennaio - h 19.00 - Art Defender Emilia Romagna - via del Decoratore 2 - Bologna (Visitabile dal 28 al 30 gennaio su appuntamento, telefonando al numero 338.6981408) Si ispira al principio dell’autoidentità del filosofo Pavel Florenskij, la nuova mostra "A=A Sic et non Aliter" dell’artista russa Velena Veretel Nikova, ospitata nei locali dell’Art Defender - Emilia Romagna nell’ambito della 36a edizione di Arte Fiera, la manifestazione internazionale dedicata all’arte moderna, che si svolge a Bologna dal 27 al 30 gennaio. L’esposizione, curata da Alinda Sbragia, considerata una delle figure più brillanti e innovative del panorama artistico contemporaneo, con la supervisione del critico Philippe Daverio, e realizzata in collaborazione con Il Sole 24 Ore Cultura, Art Defender e Alimatika, verrà inaugurata il 27 gennaio alle 19,00. Due sale da 500 metri quadrati ciascuna accolgono le due installazioni dell’autrice, un altare laico e una rappresentazione della trinità in chiave simbolica realizzata su rete inox: è la prima volta che un’artista utilizza questo materiale così complesso per la creazione di un’opera. La mostra infatti, destinata inizialmente alla 54° Biennale di Venezia, ha potuto vedere la luce solo ora per via dei prolungati tempi di lavorazione che l’inox ha richiesto e delle tecniche innovative impiegate. La rassegna si inserisce, per le sue caratteristiche peculiari, tra i 'progetti speciali' di Arte Fiera. Nell’immagine del Cristo ritratto con indosso la camicia di forza, c’è un chiaro rimando ad una sacralità interiore più forte che trascende qualunque realtà terrena. Così, come la formula latina del titolo richiama, entrambe le opere, dall’impatto tridimensionale, celebrano la legge di identità per cui l’evidenza non può essere negata, principio cardine attorno al quale ruota la produzione della Nikova. "Figlia di un sacerdote ortodosso, questa interessante artista – spiega la curatrice della mostra - ha sentito, prepotente, il bisogno di ripercorrere le tappe della sua vita alla riscoperta delle proprie radici spirituali; in un'epoca di desertificazione di valori infatti, Velena ha pensato di far tornare a dialogare l'arte con la religione cercando di recuperare l'aspetto più propriamente etico del rapporto tra spirito e corpo. E' nata così la sua versione contemporanea del luogo di fede, inteso come luogo di avviamento alla riflessione spirituale assoluta". Il 28 gennaio alle 17,45, inoltre, lo spazio Art Talks – Gallery 21/22, situato all’interno del polo fieristico bolognese, ospiterà un dibattito sullo stato dell’arte contemporanea, al quale parteciperanno, tra gli altri: Alvise di Canossa, presidente di Art Defender, Antonio Scuderi, giornalista de Il Sole 24 Ore e Andrei Shishkin, Direttore del Centro Studi Vjačeslav Ivanov. Al termine di Arte Fiera, la rassegna si trasferirà prima in Puglia, per poi proseguire il suo viaggio nelle due tappe internazionali di Londra e Mosca. Bologna lì 23.01.2012

LA CIOCCOLA – CIBO DEGLI DEI di Claudio Alessandri

Una mostra d’arte avente come unico soggetto ispiratore il “cioccolato”, è indubbiamente un modo originale di rendere omaggio ad un prodotto dalle nobili origini, che diede un grande impulso commerciale tra Sud America ed Europa, ampliando la sua fama con le coltivazioni africane. Sono infiniti i modi rappresentativi di questo prodotto dalle antichissime origini e dai significati pseudo religiosi, quasi magici, che ad esso vennero attribuiti da popoli la cui spiritualità era origine e ispirazione di ogni atto della loro esistenza.
La storia millenaria e avventurosa della pianta del cacao, può fornire ad un artista mille modi figurativi per immortalarne la tradizione e le infinite credenze, nel loro evolversi inarrestabile, ancora stimolante e creativa ai nostri giorni, tanti modi per esaltare un prodotto vegetale che si è affermato come mezzo e apportatore di innumerevoli caratteristiche positive se utilizzato come gradevolissimo apporto nutrizionale, o come ritenuto dalla tradizione bevanda degli dei o consumata esclusivamente dai nobili e dai guerrieri e, per finire, potente afrodisiaco.
Il cacao annovera migliaia di anni di storia e anche se nel XVI secolo divenne una leccornia per ricchi e raffinati consumatori, ancora ai nostri giorni se ne fa un grande consumo, sotto varie forme e ricette, ma sempre relegato al ristretto ambito dolciario. Oggi, la sua diffusione, si è espansa in tutto il mondo, chiunque sciolga in bocca della cioccolata o beva una tazza di cioccolata diluita, in genere con dell’acqua calda o nel latte, non immagina minimamente che sta gustando un prodotto, molti secoli fa, destinato agli dei e ai grandi dignitari di corte, Aztechi o Maya.
La pianta del cacao prosperò in Sud America all’incirca gia mille anni A.C e nella lingua degli “Olmechi”, antico popolo del centro sud America, veniva chiamata “Kakav uhanal” ovvero “cibo degli dei”; molti secoli dopo, i Maya amavano sorbire una bevanda preparata con acqua calda e cacao con l’aggiunta di peperoncino, la bevanda così ottenuta assumeva il nome di “chacauhaa”, il primo nome in assoluto dal quale derivò lo spagnolo, il popolo che la introdusse in Europa, “chocolate”.
Non potendo, per ragioni ovvie, riassumere per intero la vicenda del cacao presso i Maya e gli altri popoli del centro sud America, non possedendo una fantastica “macchina del tempo”, sorvoliamo come un grande condor millenni di storia, si giunge alla seconda metà del XVI secolo, all’epoca dei “conquistadores” spagnoli che scopersero quella bevanda, allora sconosciuta in Europa. Quella bevanda si componeva, per ½ di cacao (cacahuate) e per l’altro ½ di (pochotl) e assumeva il nome di “chocolatl “, gli spagnoli non gradirono il nome di “cacahuate” e preferirono chiamare questa bevanda “chocolatl”, per il semplice motivo che “cacahuate” dava loro l’idea dell’atto corporale, certo non gradito a coloro che sorbivano quella bevanda.
Inizialmente la bevanda non era dolcificata anzi, a volte salata, a volte con l’aggiunta del peperoncino, oppure vaniglia, si narra che ad aggiungere dello zucchero al cacao furono dei frati dietro l’impulso del vescovo Francisco Juan de Zumàraga, intorno al 1590.
L’Europa accolse quella bevanda con grande favore, in particolar modo quando venne aggiunto zucchero e vaniglia, venne servita in particolar modo a Venezia e a Parigi, dove, nel settecento comparvero le prime “botteghe del caffè”, il nome richiamava un’altra bevanda famosa, ma è certo che venisse servita anche la cioccolata, ne fanno testimonianza le numerose commedie del veneziano Goldoni. La cioccolato rimase, fin dal cinquecento, una prerogativa esclusivamente spagnola, ne incoraggiò la coltivazione e la produzione e la variante della cioccolata in tavolette solide.
Anche questa ricetta aveva origini azteche e divenne una esclusiva della “Contea di Modica” in Sicilia, per quei tempi protettorato spagnolo. Questa lavorazione derivava direttamente e originariamente dallo “xocòatl”, che il popolo messicano produceva macinando i semi di cacao per mezzo di una pietra che veniva chiamata “metate”, ed è rimasto un prodotto di esclusiva pertinenza, come detto, di Modica in Sicilia.
In onore di questo prodotto si sono versati fiumi d’inchiostro, trattati, libri e ricettari e sotto varie forme si è affermato in tutto il mondo, ha perduto la caratteristica di “cibo degli dei”, senza dubbio“cibo energetico”, con molti dubbi stimolatore della sessualità, ed è divenuto, molto più semplicemente, una delizia per il palato di bambini e di adulti.
Non mancano moderni studi e dotte dissertazioni sulle proprietà racchiuse in un prodotto vegetale che, nella sua apparente semplicità, annovera una storia millenaria fantastica, e volendo, misteriosa.

Claudio Alessandri

Gli artisti che danno vita a questa collettiva esprimono ciascuno per il suo modo pittorico, un mondo misterioso che riassume le svariate forme che la fantasia o la realtà hanno colpito maggiormente la loro narrazione attraverso l’arte. Colori, storia di un popolo che segnò profondamente la storia dell’America meridionale e che scomparve a seguito della bruta violenza dei conquistatori spagnoli, e quello che è sconcertante, in nome di Dio. 
Riteniamo opportuno nominarli tutti per donare loro il riconoscimento di tanta umana, artistica fatica; Giovanna Accardi, Rossella Andriani, Tiziana Ardagna, Arturo Barbante, Cettina Callari, Giuseppa Caruso, Domenica Cataldo, Daniela Cruciata, Giovan Battista Di Liberti, Paola Di Rosa, Silvius Dranga, Liliana Errera, Leonardo Espedito, Antonella Farinella, Onofrio Fausto, Nuccia Gandolfo, Piera Ingargiola , Leon Ardio, Rosario Lipari, Maria Lo Duca, Domenico Mezzatesta, Mimmo Mulè, Maria Laura Riccobono, Angela Sarzana, Nancy Sofia, Antonella Stillone, Maria Felice Vadalà, Vicari Caterina, Vicari e Gaspare Lombardo, Elena Vilardi.
La mostra verrà inaugurata sabato 11 febbraio alle ore 17,30 presso il Centro Congressi Marconi Alcamo (TP) ed è visitabile fino 17 febbraio 2012, tutti i giorni dalle 10,00 alle 13,00 e dalle 1630 alle 19,30.

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Tangozone Trieste: Giornata Mondiale della Danza

Domenica 29 aprile, dalle 20 alle 01.30, presso il Ristorante-teatro Bita (ex Parco) Santa Croce n°401 - Trieste (a 5 minuti da Sistiana sulla str. Prov. Sistiana - Opicina), particolare Milonga di beneficenza per la giornata Mondiale della Danza organizzata dall’Associazione Culturale Tangozone Trieste, delegata/autorizzata C.I.D. UNESCO per il FVG che patrocina l’evento. La serata prevede: una raccolta di fondi in favore di Green Cross Italia e Bambini orfani di Roznava, la donazione in beneficenza di alcune custodie artistiche per scarpe femminili tanguere (della serie “Il Tango dell’Onda”, progetto L’Arte in Giro - http://anforah.altervista.org/arteingiro/arteingiro.htm) dell’artista Mariagrazia Semeraro, un fitta passerella di espressioni di danza e arte. Danzeranno: per “Gotango” Maruska & Savo (tango nuevo); per “Dos Por Quatro” (di Irene e Fabrizio) Silvana & Luigi (tango vals); per “El Farolito Tango” (di Claudio Marinig) Alessandra & Paolo (milonga); per “A.S.D. Viento Flamenco” (di Lucia Tosto) il Gruppo di Trieste (flamenco); i maestri argentini (da Buenos Aires) Florencia Argento e Jorge Llado. Da quinte scenografiche alla serata faranno le opere pittoriche di Fedele Boffoli (http://anforah.altervista.org/tango/tango.htm - http://anforah.altervista.org/tangorosa/tangorosa.htm), in un mix espressivo di onde-mare-tango, unitamente alle proiezioni dei videoclip dello stesso autore (curate, assieme ad altro, da Mauro Pasqualini - El Jabali) non nuovo ad incursioni, anche letterarie, sul mitico ballo argentino. Alla consolle Dusan Mauri (Dule il Romantico). Sostengono l’evento: “Noi Quattro”, “Gotango”, “Nueva Clave”, “Dos Por Quatro”, “Scuola di Lita e Roberto”, “El Farolito Tango”, “A.S.D. Viento Flamenco”, “Libertango”, “Time For Tango”, “J “ Club Pordenone, Circolo del Tango di Trieste, Webcommunity di Arte e Poesia Anforah. 

Trieste, 24 aprile 2012

Fedele Boffoli (in Facebook)
info@fedeleboffoli.it 
www.Artepensiero.it/Fedele_Boffoli.htm
http://anforah.altervista.org/
Bari/Trieste - tel. 338-2246495

All these Paintings for sales

Kindly visit the Exhibition and make it grand success.

Thanking you
Team Ayya Art Gallaries
www.ayyaart.com

Limonaia di Villa Strozzi

Via Pisana, 77 – Firenze – tel. 055 2767113

Inaugurazione sabato 2 giugno ore 17,00

Dal 2 al 16 Giugno

Apertura al pubblico

Dal lunedì al sabato, Ore 16,00 – 19,00

             Presentazione critica di Luigi Paolo Finizio

http://www.youtube.com/watch?v=qPkBYcp8rgk

2 parte

http://www.youtube.com/watch?v=EdLqJ9EyRZE

Una storia senza fine? … sta per finire

http://www.casoriacontemporaryartmuseum.com/blog/en/cam-
art-war-azioni-internazionali

Ettore De Conciliis
Scavi di Ostia, Ostia Antica (RM)
La Soprintendenza Speciale per i Beni Archelogici di Roma Mariarosaria Barbera e Angelo Pellegrino, hanno inaugurato la mostra dal titolo: Percorsi del Tevere di Ettore De Conciliis. 
La mostra, curata da Giorgio Van Straten, organizzata da Il Cigno GG Edizioni, Assessorato alle Attività Produttive, al Lavoro e al Litorale, partecipa per la valenza che la mostra può dare, al sito di Ostia Antica e per l’indotto che le attività commerciali presenti sul litorale potranno ottenere.
L’esposizione raccoglie le sue riflessioni che scaturiscono dai corsi d’acqua, il Tevere su tutti, un giuoco di corrispondenza e dialoghi che si avvalgono di fiumi e marine che coinvolgono l’osservatore. De Conciliis riesce a trarre dal luccichio della natura, lo splendore dei fasti di una civiltà trascorsa, ma carica di significato e ancora presente tra le rovine della pietra, segno di un percorso che ha dato vita al mondo. In questi luoghi naturali da lui amati , trova la sua ispirazione, traducendo le forme e i ritmi della natura in immagini vibranti di luce solare. I suoi alberi, le sue strade, i suoi specchi d’acqua evocano la serenità, la calma e l’indifferenza della natura verso le cose umane. L artista dice di sé: Guardo alla natura con reverenza e voglio catturarne la bellezza, le complessità e le armonie che si presentano al mio sguardo. Apprezzare la natura attraverso l'arte significa diventare più consapevoli della nostra vera essenza. È un modo per collegarsi alla realtà. 
Come specifica lo stesso curatore della mostra: «Questo dell’acqua e dei suoi riflessi è il centro della produzione di De Conciliis nell’ultimo periodo e in questa mostra in particolare. Come si sa l’acqua può essere metafora di tantissime cose, ma in questo caso più che una metafora, mi sembra un mezzo per arrivare a parlare di altro, come se l’indagine, soprattutto quella di un artista che non deve dare risposte, piuttosto costruire domande, volesse condurti a guardare il mondo con filtri diversi: gli oggetti riflessi, nella loro indeterminatezza, chiedono più attenzione di quanta gliene possiamo dare quando li osserviamo direttamente e li riconosciamo senza difficoltà. Di fronte ai quadri De Concillis, invece, si richiede immaginazione, la capacità di ricostruire delle storie, la cui durata si misura in decenni, forse in secoli». I dintorni della città di Roma rappresentano già nella sua produzione pittorica la chiave della sua ispirazione. La mostra vede l’esposizione di circa trenta opere, la maggior parte delle quali realizzate appositamente per questa esposizione. 
Una mostra pensata come un nuovo invito al Grand Tour, focalizzato su Ostia, facendo rivivere nei riflessi sull’acqua un sito che brilla di storia, “penalizzato” dalla vicinanza alla Capitale. 
Ettore De Conciliis importante esponente dell’arte contemporanea italiana, ha intrapreso e portato avanti un percorso artistico intenso e complesso, sia sul piano dei contenuti che su quello stilistico. Inizialmente, infatti, l’artista focalizza il suo sguardo su una pittura impegnata, la cui spinta creativa si concretizza nella rappresentazione di istanze politiche e sociali e attraverso lo studio di tecniche pittoriche essenziali, quali la pittura murale e la Land–Art. Ne è un chiaro esempio il Memoriale di Portella della Ginestra, la sua più importante opera pubblica territoriale realizzata in Sicilia nel 1980. In essa, sulle traettorie dei proiettili esplosi dalla banda di Salvatore Giuliano nell’eccidio del primo maggio del 1947, sono stati collocati massi-sculture in un insieme plastico ed architettonico. 
De Conciliis ha partecipato e continua a partecipare a importanti rassegne d’arte in Italia e all’estero. Sue opere fanno parte in USA delle collezioni: Jack Tanzer – New York, Larry Curry – Los Angeles. Nel 1992 viene pubblicata la prima monografia in lingua inglese sulla sua pittura, poi edita da A. Mondadori. Ha esposto nel 1980 alla Madison Gallery, Toronto; a Roma nel 1986 alla Galleria d’Arte Moderna Rondinini; a Ferrara nel 1987 Palazzo dei Diamanti; a Roma nel 1988, Museo di Roma, Palazzo Braschi; a New York nel 1989 Hammer Galleries; a S. Francisco nel 1997, Kirk and Weiskopf Gallery; a Palermo nel 2010 un’antologica a Palazzo Sant’Elia dal titolo “Ettore De Conciliis, Opere dal 1982 al 2010”
Catalogo Il Cigno GG Edizioni 

Scavi di Ostia 
via dei Romagnoli, 717 - Ostia Antica (RM) 
Orari da martedì a domenica 9,00-13,30|14,30-19,00 lunedì chiuso fino al 5.11.2012
Ingresso: 8.50 euro
Anna Scorsone

Fernando Botero,
Disegnatore e scultore
Per festeggiare i suoi 80 anni il maestro colombiano Fernando Botero ha scelto di animare l’estate di Pietrasanta, in Versilia, con un grande evento espositivo. S’intitola FERNANDO BOTERO: DISEGNATORE E SCULTORE ed è visitabile fino al 2 settembre 2012. “Il percorso espositivo – spiega con entusiasmo il sindaco Domenico Lombardi - si snoderà nel centro storico, in quelle piazze ed in quelle vie in cui Fernando Botero è solito trascorrere con la famiglia lunghi periodi dell’anno”. Di lunga data, infatti, è il legame creativo del maestro con la città, instaurato dagli anni Settanta. Nel 2000 è stato designato cittadino onorario di Pietrasanta. Disegnatore e scultore. Nella suggestiva cornice della piazza del Duomo, Botero presenta sei-sette bronzi monumentali, e dieci sculture di medie dimensioni collocate nella chiesa di Sant'Agostino insieme a un ciclo di acquerelli su tela appositamente realizzate per la mostra. e dunque inedito. Come inedita e di elevato interesse è la serie di 40 disegni, realizzati negli anni Settanta, che per la prima volta saranno presentati al pubblico nelle sale del chiostro di Sant’Agostino. Complessivamente saranno oltre 100 opere in cui il maestro si racconterà tra presente e passato. 
Personaggi generosamente rubicondi che lo hanno consacrato in tutto il mondo, forse in queste opere complice l’ambiente del circo. Dalle opere sia pittoriche che scultoree di Botero, nella loro evidente sovrabbondanza corporea, non scaturisce nulla di grottesco, anzi accoglie quei corpi con fattezze volutamente abbondanti con naturale piacere. Le opere di Botero sono considerate vere e proprie icone dell’arte moderna dai più grandi esperti a livello mondiale. A 12 anni lo zio lo iscrive ad una scuola per toreri, dove rimarrà per due anni (la sua prima opera conosciuta è un acquerello raffigurante un torero). 
Durante i suoi studi a Liceo esprime la sua passione per il disegno dipingendo soprattutto i tori e le corride. 
Affascinato dall'ambiente culturale della capitale, Bogotà, Fernando Botero vi si trasferisce e aderisce alla scuola muralista messicana guidata da Diego Rivera, pittore e muralista. A 16 anni espone le sue opere per la prima volta e collabora al giornale “El Colombiano”, disegnandone le illustrazioni per i supplementi domenicali. Nel 1952 Fernando Botero vince il secondo premio al Salone degli artisti di Bogotà e, con il denaro ricavato, si reca in Europa, per ammirare le opere di Francesco Goya e di Tiziano Vecellio al Museo del Prado, dove lavora come copista, mentre frequenta l'Accademia Reale San Fernando. Durante il viaggio passa per Parigi e si ferma in Italia, dove tra il 1953 ed 1955 scopre il Rinascimento italiano e studia la tecnica dell'affresco, esegue diverse copie dei lavori di Giotto e studia i molti artisti senesi.

Nel 1955 Fernando Botero torna in Colombia, dove è di moda l'avanguardia francese che si discosta fortemente dal suo stile. Nel 1966 viene organizzata la sua prima mostra personale in Europa, in Germania. Una nuova mostra, organizzata al Milwaukee Art Center, riceve critiche ampiamente positive. Inizia ad esporre regolarmente in Europa, a New York e anche a Bogotà.. Espone ripetutamente le sue sculture in tutto il mondo. Tra gli eventi di maggior rilievo la mostra delle sue enormi sculture sugli Champs-Elysées nel 1992, e varie mostre negli spazi pubblici di città europee nel 1994. 
Il 21 ottobre del 2007, sempre a Pietrasanta, vengono rubate delle statue di bronzo per il valore di circa 4 milioni di euro. Le opere si intitolavano "Adamo", "Il cane", "Gatto codone", "Donna con mano nei capelli", "Ballerina vestita", "Ballerina in movimento" e "Passero". Attualmente buona parte dei ladri sono ancora ignoti, ma nel maggio 2008 due delle statue sono state ritrovate e i responsabili arrestati. 
La mostra, come consuetudine espositiva di Pietrasanta è ad ingresso libero fino al 2 settembre 2012 Chiesa di Sant’Agostino – via Sant’Agostino n. 1 – Pietrasanta (LU) 
Anna Scorsone

Luoghi dell'arte tra musica, letteratura e poesia.

Sarà inaugurata venerdì prossimo 20 luglio alle 19 la mostra di Piero Guccione a Palazzo dei Normanni a Palermo. L'evento è promosso dalla fondazione Federico II in cooperazione con il centro studi Feliciano Rossitto di Ragusa e numerosi sponsor privati. A comunicarlo sono Francesco Cascio, Presidente della Fondazione Federico II e Giorgio Chessari, Presidente del centro studi Feliciano Rossitto di Ragusa.
Nelle opere di Guccione traspare una “dimensione romantica” spiega Giorgio Chessari, Presidente del Centro Studi – avvolge l’animo portandolo dentro un viaggio che è arte pura, in cui la Sicilia diventa “forma evocativa di trame letterarie”, come si nota in alcune opere che richiamano il tedesco Friedrich (con il suo “Viandante sul mare di nebbia”, 1818) o Hayez (con il suo “Bacio”, 1859) in cui si intravedono “architetture musicali di tensioni liriche, riconducibili al suo stile, al suo sentire, all'intensità del suo cuore”.
Come scriveva Claudio Alessandri in suo testo….Per Piero Guccione il sole della “sua” Sicilia non dardeggia infuocato il paesaggio, ma lo accarezza lieve in una luce diffusa che ne svela i più reconditi segreti, narrati con accento nostalgico; un accento non decadente, anzi sorretto da una forza interiore che riflette il passato di una terra tragica eppure sempre capace di donare visioni sognate, delicate, come la sensibilità di questo artista ispirato che oblia la tristezza facendo emergere il gioioso risuonare di antiche melodie. L’atmosfera vagamente surreale delle opere di Guccione esclude, spesso, la presenza dell’uomo; tranne che in rarissime eccezioni non è mai inserito nel paesaggio, come fosse un elemento perturbatore di un equilibrio “artisticamente” raggiunto da una natura “solitaria” eppure, non per questo, avara di messaggi, esaltate offerte poetiche di struggente bellezza. Il lieve sciabordio dell’infrangersi del mare su spiagge dorate, popolate da “parvenze” di alberi spezzati dal vento, monti appena accennati, giungono a noi come un sonno leggero che precede, di poco, un dolce oblio. Quello di Guccione è un racconto raccolto dal vento;di un vento che raggiunge spighe mature che ondeggiano come flutti danzanti di una saga narrata nelle notti chete di una campagna incantata; o, ancora, di un vento forte capace di spezzare tronchi e rami che continueranno a vivere come ruderi romantici a testimoniare antichi fasti. In Guccione, tutto, è sempre un inno alla natura…
Il Maestro Piero Guccione nasce il 5 maggio 1935 a Scicli: grazie alla complicità sensibile del padre abbandona gli studi classici per dedicarsi a disegnare e dipingere. Frequenta per un anno la Scuola d’Arte di Comiso, quindi l'Istituto d’Arte di Catania, dove si diploma nel 1954. Nell'autunno di quello stesso anno, poco dopo la morte del padre, si trasferisce a Roma. Qui frequenta l’Accademia di Belle Arti e tiene la prima personale nel 1960 alla Galleria Elmo.
Dal 1966 al 1969 è assistente di Guttuso all’Accademia di Belle Arti di Roma; ritornato in Sicilia alla fine degli anni Settanta - nel 1979 diventa titolare di Cattedra a Catania - l'attenzione esclusiva e poetica al paesaggio siciliano: l'azzurro del mare e del cielo, e i toni ramati della terra iblea colti nella loro essenzialità.
Nel 1993 ha partecipato alla mostra "Tutte le strade portano a Roma" a cura di Achille Bonito Oliva, al Palazzo delle Esposizioni di Roma. Guccione ha inoltre illustrato alcune opere letterarie, tra cui: Stendhal Il rosso e il nero, Parenti Editore, Firenze 1963; Gesualdo Bufalino Rondò della felicità, Edizioni La Corda Pazza, Trento 1992; Giovanni Verga Cavalleria Rusticana, Edizioni Erreti, Bagnara di Romagna (RA) 1995.
Gli anni Settanta e Ottanta sono caratterizzati da opere dominate dall'azzurro del mare, creazioni che vengono esposte in una famosa mostra alla galleria parigina di Claude Bernard. Accanto alla pittura, in questi anni si dedica al pastello, con numerose serie che testimoniano una rinnovata autonomia e compiutezza della tecnica.-
La mostra resterà aperta al pubblico fino al 7 settembre 2012 e sarà visitabile tutti i giorni, dal lunedì al sabato dalle 8,15 alla 17,40, domenica e festivi dalle 8,15 alle 13,00 Costo del biglietto € 3,00 - biglietto mostra e Cappella Palatina € 9,00 - biglietto mostra, Appartamenti Reali e Cappella Palatina € 10,00.
Per info www.federicosecondo.org. 
Anna Scorsone. 

Capolavori della Maiolica Castellana dal ‘500 al terzo fuoco. La Collezione Matricardi.

Con il Patrocinio di: Camera dei Deputati, Ministero per i Beni e le attività Culturali, Regione Abruzzo, Direzione Regionale per i Beni culturali e paesaggistici dell’Abruzzo, Direzione Regionale per i Beni culturali e paesaggistici delle Marche, Soprintendenza B.S.A.E. Marche, Provincia di Teramo, Camera di Commercio di Teramo è stata inaugurata la mostra: “Capolavori della maiolica castellana: dal ‘500 al terzo fuoco. La collezione Matricardi”. A cura della Dott.ssa Paola Di Felice.
L’esposizione presentata al pubblico, è una selezione di duecentoventi capolavori realizzati tra il Cinquecento e il Settecento per la maggior parte inediti.
Gli oggetti, tra cui brocche, fiasche, albarelli, chicchere, piatti e piattini, sono stati ordinati in un continuum narrativo nelle sale della Pinacoteca Civica di Teramo, in sequenza cronologica, a partire dalla produzione cinquecentesca, e per gruppi omogenei attribuibili allo stesso autore o alla sua famiglia. I capolavori rendono omaggio all’enorme valore della manifattura di Castelli, grazie ad un percorso rappresentativo per ogni epoca e per ogni famiglia di artisti, come i Pompei, i Cappelletti, i Gentili e i Grue che, nell’arco dei secoli, hanno reso famosa la maiolica castellana in tutto il mondo. I colori delle maioliche ricordano le tonalità naturali dei luoghi: il verde marcio dei boschi, alle falde del Gran Sasso, assieme a celeste, manganese, arancio e ramina (verde smeraldo). Questi due fattori hanno permesso una rilettura storica, iconografica e scientifica della produzione castellana e dei suoi artisti. La mostra intende proporre all’attenzione nazionale e internazionale la ceramica della manifattura castellana, dall’inizio del Cinquecento sino alla fine del Settecento, attraverso forme, colori e motivi tipici di questa produzione, magnificamente rappresentata dalla preziosa e ricca Collezione Matricardi, che si posiziona come una delle collezioni più interessante, insieme a quelle presenti nei musei internazionali.
Tracciamo una breve nozione storica della famiglia Matricardi: nel 1919 l’Ing. Giuseppe M. Matricardi, decise di costruire un grande stabilimento di produzione di maioliche nel tentativo di ridare vita a quella antica tradizione ascolana che si era fermata con la morte di alcuni soci nel 1856. A causa della perdita delle necessarie competenze in loco, Matricardi invitò le maestranze provenienti da Castelli in Abruzzo, famoso centro di produzione delle maioliche, con il preciso intento di recuperare l’attività ed istruire le generazioni future locali. La frequentazione di Castelli appassionò l’Ing. Matricardi alla plurisecolare produzione del luogo, già presente nelle varie collezioni pubbliche che private. I suoi acquisti hanno costituito il primo nucleo della collezione, proseguita poi dal figlio Francesco.
L’ultimo erede, l’Ing. Giuseppe Matricardi, attuale proprietario della collezione, appassionato collezionista e studioso della produzione ceramica castellana, ha provveduto ad incrementare la collezione con acquisti di capolavori dispersi in varie collezioni europee riportandoli in Italia. L’attuale Collezione Matricardi è di circa quattrocentotrenta opere da cui sono state selezionate le duecentoventi opere per la mostra. Essi testimoniano l’originalità della produzione castellana, che si distingue per tecnica e per iconografia di tutte le altre produzioni delle manifatture italiane ed europe. 
La mostra è visitabile fino al 31 ottobre 2012 presso la città di Teramo: Pinacoteca Civica, Viale G. Bovio 64100 - con i seguenti orari: da martedì a sabato: 9.00-13.00, 16.00-19.00 – domenica e festivi 10.00-13.00, 16.00-19.00 - lunedì chiuso. 
Ingresso intero € 5,00 – Ingresso ridotto (gruppi e studenti universitari) € 3,00 – Biglietto cumulativo € 10,00 - Biglietto scuola: € 3,00 comprensivo di attività didattica. – tariffa gratuita a disabili, giornalisti, guide turistiche e over 65.
Anna Scorsone

LA DIMORA DELLE VERITA’ SILENTI DI ARMODIO 
La Dimora delle verità silenti è il titolo della mostra del maestro Armodio che si è inaugurata il 14 Settembre 2012, presso la Sala Duca di Montalto, Palazzo dei Normanni, Piazza del Parlamento 1, Palermo. 
All’inaugurazione hanno partecipato Cristina Acidini, soprintendente speciale per il Patrimonio storico, artistico ed etno-antropologico e per il Polo museale della Città di Firenze, e Stefano Zecchi, scrittore, giornalista e sociologo.
Armodio presenta circa quaranta opere inedite realizzate nell’ultimo anno. Una mostra che ripropone i temi cari all’artista, la cui pittura unisce una raffinata vena umoristica e surreale ad una tecnica di esecuzione straordinaria. 
Oggetti di uso comune, trasfigurati in un contesto privo di sfondo. hanno un non so che di sapore antico, una caratteristica uniforme negli anni, ma che non pecca di ripetitività, è un racconto vario come se questo raffinatissimo artista, ad imitazione dei viaggiatori del “Grand Tour” di fine XIX sec., vagasse con un taccuino ed una matita realizzando i particolari degli oggetti incontrati, pochi tratti che delineano la centralità di un insieme che, certamente, esiste ma che per Armodio non è indispensabile rispetto al particolare, lui e solo lui meritevole di essere rappresentato.
Oggetti comuni, per lo più di uso domestico, cuccume di varia foggia che contengono quel particolare strano che tipizza l’oggetto privandolo di un anonimato banale.
Tutto nell’arte di Armodio risuona di accenti culturali, di tecnica che affonda in una nobile antichità e coerenza, fedeltà ad uno stile entrato nel suo essere d’artista tanti anni addietro ed ancora oggi e per molti anni ancora, sarà il sigillo prezioso di un’artista che giunge dalle più lontane propaggini del tempo e proseguirà per giungere ad una meta da lui solo conosciuta.
Armodio, il cui vero nome è Vilmore Schenardi, è nato a Piacenza il 4 ottobre 1938, dove attualmente vive e lavora. Tra il 1951 e il 1952 frequenta l’Istituto Gazzola di Piacenza, pur non riconoscendovi grande importanza. Ben altro peso avrà lo Studio Spazzali o “Scuola di Piacenza”, dove da giovane apprende nuove tecniche trovando una propria identità e creatività. Nel 1954 abbandona il laboratorio di Spazzali e si trasferisce con Foppiani in uno scantinato dove si concentra sulla pittura; dopo aver cambiato studio, si unisce anche Carlo Bertè. Il grande successo per Armodio arriverà quando Lily Shepley riuscirà a vendere le sue opere negli Stati Uniti. Nel 1972 espone con successo le sue opere a Bruxelles. La fama di Armodio lievita e, dopo un fruttuoso soggiorno a Parigi torna in Italia conquistando sempre più mostre a lui intitolate. 
L’evento espositivo rappresenta una grande occasione non solo per la Sicilia, ma anche per l’Italia stessa, poiché l’artista, ormai pienamente consacrato in ambito internazionale, è solito esporre all’estero.
La mostra è curata dagli storici e critici d’arte Daniele Frignone e Giovanni Faccenda. ed accompagnata da un ampia monografia edita da Giorgio Mondatori.

La mostra è visitabile fino al 5 ottobre 2012 presso Palazzo Reale, Piazza Indipendenza.
Orari: lunedì – sabato 8,30 – 17,40
Domenica e festivi 8,15 – 13.00
Mostra e Cappella Palatina € 9,00
Mostra, Appartamenti Reali e Cappella Palatina € 10,00

Anna Scorsone

PICASSO AL PALAZZO REALE, MILANO

Cresce l'attesa per la mostra di Picasso, che si terra' a Palazzo Reale a Milano dal 20 settembre al 6 gennaio. E' già partita la corsa ai biglietti: finora ne sono stati venduti 100mila, tra singoli e gruppi. Saranno esposte oltre 200 opere dell'artista, che ripercorreranno l'evoluzione della sua pittura dagli inizi fino all'ultimo periodo della sua vita. Nelle numerose opere esposte, si avverte una febbricitante ansia di contatto con una umanità rigenerata, ricondotta al primigenio stupore, dai tratti puri "sgorgati" da una mente ingentilita dal desiderio di rinnovata speranza; è evidente in Picasso il rifiuto di facili soluzioni, frutto più di accademiche sollecitazioni che di un reale sentire il bisogno di rinnovamento, di ricerca, ma anche di scontro. Saranno esposte oltre 200 opere, molte delle quali mai uscite dal Museo Picasso di Parigi, che affolleranno le sale di Palazzo Reale di Milano, in occasione della grande antologica dedicata al grande artista spagnolo Pablo Picasso.
Saranno esposti capolavori come: La Celestina, L’uomo con il mandolino, Ritratto di Olga, Due donne che corrono sulla spiaggia, Paul come Arlecchino, Ritratto di Dora Maar e la supplicante. Leggende e mito aleggiano attorno alla figura di Pablo Picasso, riconosciuto come genio indiscusso dell’arte del XX secolo. A partire dall’agosto del 1914, allo scoppio improvviso della Prima Guerra Mondiale, molti artisti, poeti e scrittori sono costretti a partire o vanno al fronte come volontari. Fra questi vi è anche Braque. Il compagno di avventura di Picasso tornerà solo nel 1916, ferito alla testa. Picasso noterà come l’amico sia completamente cambiato al punto che si rifiuta di andarlo a trovare in ospedale. Da allora si interromperà la loro collaborazione, che aveva permesso al Cubismo di nascere e imporsi come stile dominante dell’arte di quegli anni. Seguendo lo stile del Cubismo sintetica già ormai pienamente giunto a maturazione, Picasso, realizza una serie di constructions utilizzando materiali molto diversi. Tali costruzioni sono rivolti principalmente al tema della natura morta e vengono realizzate principalmente con carta, legno e metallo. Successivamente esegue il bicchiere di assenzio, una scultura modellata in cera composta di un cucchiaio da assenzio e una zolletta di zucchero, inseriti in una serie di sei bronzi costituita dagli stessi elementi. Il bicchiere di assenzio è la prima proiezione in forma aperta di un oggetto dell’intera avventura cubista.
Le costruzioni e le nature morte del 1914 rappresentano il tentativo di creare una cosmogonia cubista fatta di violini e chitarre, pipe e bicchieri, dadi e bottiglie, carte da gioco e giornali realizzate il più delle volte in legno. Il 1914 non è un anno felice per Picasso perché la guerra allontana i vecchi amici la mogli si ammala. Nel 1919 esegue una serie di ritratti con una tecnica che non aveva mai usato prima, la litografia, e abbina la produzione di opere a soggetto realistico con altre di ispirazione decisamente cubista. Venerato e ricercato da tutte le istituzioni si susseguono grandi commissioni per l’artista, tra i quali il monumento per il Civic Center di Chicago. Continua a creare come dimostrano le centocinquantasei incisioni intitolate Suite 156, realizzate tra il 1970 e il 1972 e, la serie di autoritratti dove compare l’immagine teschio quasi a scongiurare la propria morte che avviene l’8 aprile 1973 a Mougins. 
La mostra a cura di Anne Baldassarri sarà presentata dall’Assessore alla cultura Stefano Boeri ed è visitabile fino al 6 gennaio 2013
Palazzo Reale – Piazza Duomo 12, Milano 
Orari: lunedì, martedì e mercoledì: 8.30-19.30, giovedì, venerdì, sabato e domenica: 9.30-23.30 
Il servizio di biglietteria termina un’ora prima della chiusura 
Biglietti: € 9,00 intero, € 7,50 ridotto, € 4,50 ridotto speciale 
Gruppi: € 9,00 gruppi di adulti nei giorni sabato, domenica e festivi, € 7,50 gruppi di adulti nei giorni feriali, € 4,50 gruppi di studenti delle scolaresche di ogni ordine e grado 
Le richieste vanno inviate a: 
Ufficio Gruppi Grandi Mostre Tel. 02-542727 Fax 02-54101046
Anna Scorsone

Le Sinergie connettive pittoriche di Anna Seccia
Evento organizzato in occasione della Giornata del Contemporaneo 

promossa da AMACI 

Ancora grande attenzione per le azioni dell’Opera Aperta” di Anna Seccia con la realizzazione di grandi tele di pittura collaborativa-connettiva, generatrici del “senso” e del “fare pittorico” attraverso le relazioni, il corpo, il suono, il colore e il gesto libero.
Infatti, in occasione dell’8° Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI (Associazione Musei Italiani) il 6 ottobre 2012, nello spazio di Sfera design di Pescara, in via Caduta del Forte 36, dal 6 al 25 ottobre 2012 verrà esposta l’opera collaborativa di grandi dimensioni “Sinergie”, mt. 4 x1,60 acrilico su tela, realizzata per la 7°Giornata del Contemporaneo 2011 dall’artista Anna Seccia, con il coinvolgimento degli studenti del Liceo Artistico Bellisario Misticoni di Pescara.
L’opera in esposizione verrà accompagnata da un video documentario, che ne racconta la nascita, esso è stato realizzato dagli studenti del Liceo Artistico sotto la direzione del professor Pierpaolo Serini.
L’opera nasce con un work in progress ideato dall’artista nella “stanza del colore”attraverso una componente ludica emotiva con un’esplorazione unica del colore, del segno e del suono con le musiche del Maestro Antonio Cericola per l’elaborazione del “senso” e del “fare arte” attraverso l’abbandono all’immaginario emotivo del “qui ed ora”.
Attraverso l’interazione con l’artista le sinergie di diverse personalità si sono incontrate in un momento corale e attraverso la pittura connettiva di Anna Seccia ogni singola voce ha avuto pari dignità nella dinamicità della composizione finale.
Ricordiamo che l’opera esposta, documenta il terzo step della singolare partecipazione di Anna Seccia al Padiglione 
Italia/Abruzzo della 54° biennale di Venezia 2011curata da Vittorio Sgarbi con l’Opera Aperta: L’arte è cosa mia, nostra.

Per l’8° Giornata del Contemporaneo il 6 ottobre 2012, troviamo ancora Anna Seccia impegnata nella realizzazione di un’altra singolare opera collaborativa di grandi dimensioni: “Sinergie di Fragmenta 100” che vede il coinvolgimento
ad un’azione partecipativa pittorica i cittadini di Francavilla al mare (CH) e le scuole del territorio nel Museo Michetti.

SFERA design: Via caduta del forte 36 - Pescara - 085.2924031 - www.sferadesign.net- http://blog.sferadesign.net/
Orario: lunedì-sabato 10-13 17-20
Ingresso: libero
Orario: 10-13 17 -20
Esposizione: dal 06 al 25 ottobre 2012
Email: info@sferadesign.net
Anna Seccia: www.annaseccia.it
AMACI Associazione dei Musei d’arte Contemporanea Italiani - www.amaci.org 

Evento: Decimo Festival Internazionale della Fisarmonica, Città di Massafra (TA) “Terra delle Gravine” 
Data: dal 4 al 7 ottobre 2012
Luogo: Teatro Comunale di Massafra, Piazza Garibaldi
Organizzazione:Associaz. Culturale Centro stabile di Arte e Cultura Agorà Massafra 
Patrocinio Comune di Massafra, Presidenza Regione Puglia, Conservatorio Statale
Matera; Segmenti d’Arte Massafra; Associaz. Culturale “La Giostra”
Informazione: Associaz. Culturale Centro stabile di Arte e Cultura Agorà Massafra via Trento 66,74016 Massafra (TA); tel.0998800199 - 3357300930; email tannoya@alice.it

L’evento musicale, Festival Internazionale della Fisarmonica, Città di Massafra “Terra delle Gravine”, dedicato al suono della fisarmonica, con esibizioni di artisti affermati a livello internazionale e di giovani talenti, nato nel 2002, è un progetto culturale di conoscenza e valorizzazione del patrimonio storico artistico culturale del nostro comprensorio, molto atteso da spettatori , affezionati e curiosi. Dal 2003 durante la cerimonia di inaugurazione viene assegnato il Premio “Alessandro Tannoia” a personalità che hanno dato lustro al territorio. Nicola Andreace, che, sin dall’inizio, ha disegnato l’imponente scenografia, l’immagine del Premio e i Manifesti, porta avanti la sua ricerca espressiva, realizzando visioni grafico-pittoriche simultanee, in cui, attraverso una stratificazione, personaggi, elementi della nostra storia e luoghi, simbolo della sua città, vengono associati ai sentimenti, ai ricordi. I suoi frammenti di realtà, quasi seguendo uno svolgimento filmico, sembra raccontino una storia senza tempo pur fissata nell'immobilità di un’ elegante composizione armonicamente costruita, caratterizzata da un tratto semplice e immediato mai disgiunto dal vigore creativo. Anche in occasione del Decimo Festival Internazionale della Fisarmonica, Città di Massafra- Terra delle Gravine 2002-2012, Andreace, ha ideato e realizzato il “Manifesto”, nel quale, attraverso variazioni prospettiche, ha creato atmosfere quasi oniriche, dove il tempo sembra sospeso, che ha accompagnato con questa didascalia “… in un gioco di alchimia cromatica, la MUSICA, sospesa tra suggestioni uditive e reale evocativo, vola con il fascino magnetico delle sue variazioni sonore…” Poi, intervistato, sull’opera ha aggiunto la seguente annotazione: “Sul palcoscenico della celebrazione del Festival, tra gli elementi peculiari del territorio ( panorama di Massafra, muro a secco, fichi d’india), in un gioco cromatico, la MUSICA, sospesa tra suggestioni uditive e reale evocativo, vola con il fascino magnetico delle sue variazioni sonore, saldate tra loro da un’unità spirituale, che crea nell’orchestra e nel pubblico un feeling musicale e sensoriale, un coinvolgimento emotivo, una tensione intima, un’atmosfera che con forza gioiosa sospinge l’immaginazione verso momenti e personaggi del passato”.